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Biografia do mais famoso e diretor e scenografo de teatro internacional: Bob Wilson

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Bob Wilson by Serena Ucelli

Robert Wilson

Biografia do mais famoso e diretor e scenografo de teatro internacional: Bob Wilson

Robert Wilson, October 4, 1941 (age 76)
Waco, Texas, US

Theatre director

www.robertwilson.com/

Robert Wilson (nascido em 4 de outubro de 1941), conhecido também como Bob Wilson, é um diretor e dramaturgo norte americano de teatro experimental que tem sido descrito pela mídia como “o artista teatral de vanguarda” da América, ou mesmo do mundo

Ao longo de sua carreira abrangente, ele também trabalhou como coreógrafo, performer, pintor, escultor, artista de vídeo e designer de som e iluminação. Ele é mais conhecido por suas colaborações com Philip Glass em Einstein on the Beach e com inúmeros outros artistas, incluindo Heiner Müller, William S. Burroughs, Allen Ginsberg, Lou Reed, Tom Waits, David Byrne, Laurie Anderson, Gavin Bryars e Rufus. Wainwright, Marina Abramović, Willem Dafoé, Mikhail Baryshnikov, Darryl Pinckney, Richard Gallo e Lady Gaga.

Em 1991, Wilson fundou o The Watermill Center, “um laboratório de performance” no East End de Long Island, Nova York.

 Joventude e educação

Wilson nasceu em Waco, Texas, filho de Loree Velma (née Hamilton) e D.M. Wilson, um advogado.

Ele estudou administração de empresas na Universidade do Texas de 1959 a 1962, mudou-se para o Brooklyn em 1963, recebendo um BFA em arquitetura do Pratt Institute em 1966; também assistiu a palestras de Sibyl Moholy-Nagy (viúva de László Moholy-Nagy) e estudou pintura com o artista George McNeil. Mais tarde Bob foi para o Arizona para estudar arquitetura com Paolo Soleri .

CARREIRA

Teatro:

Mudando-se para Nova York em meados da década de 1960, Wilson se viu atraído pelo trabalho dos pioneiros coreógrafos George Balanchine, Merce Cunningham e Martha Graham, entre outros.

Em 1968, ele fundou uma empresa de performance experimental, a “Byrd Hoffman School of Byrds” (nome de um professor que o ajudou a superar um problema de fala – uma gagueira grave – quando adolescente). Com esta empresa, ele criou suas primeiras grandes obras, começando com 1969 O Rei da Espanha e A Vida e Tempos de Sigmund Freud.

Robert Wilson_Einstein on the beach 8Bob começou a trabalhar em ópera no início dos anos 1970, criando “Einstein on the Beach” com o compositor Philip Glass, que fez os dois artistas mundialmente conhecidos. Seguindo Einstein, Wilson trabalhou cada vez mais com os principais teatros e casas de ópera da Europa. Para a estréia em Nova York da ópera, o Metropolitan Opera permitiu que Wilson alugasse a casa em um domingo, mas não produzia o trabalho. A casa esgotou em dois dias.

Robert Wilson_ Deafman Glance 2Em 1972, “Deafman Glance” de Wilson, uma peça longa e silenciosa, apareceu no Festival de Nancy, e mais tarde abriu em Paris, defendida pelo designer Pierre Cardin. O poeta surrealista Louis Aragon adorou a peça e publicou uma carta ao poeta surrealista André Breton (falecido em 1966), na qual ele elogiou Wilson como: “O que nós, de quem o surrealismo nasceu, sonhávamos que viria depois de nós e vai além de nós “.

Em 1983/84, Wilson planejou uma apresentação para as Olimpíadas de Verão de 1984, as “CIVIL WARS”: “Uma Árvore É Melhor Medida Quando Está Para Baixo”; o trabalho completo deveria ter 12 horas de duração, em 6 partes. A produção foi apenas parcialmente concluída – o evento completo foi cancelado pelo Festival de Artes Olímpicas, devido à insuficiência de fundos.

Em 1986, o júri do Prêmio Pulitzer selecionou por unanimidade as convocações CIVIS para o prêmio de teatro, mas o conselho supervisor rejeitou a escolha e não deu nenhum prêmio de drama naquele ano.

Só em 1990, Wilson criou quatro novas produções em quatro cidades da Alemanha Ocidental: “King Lear”, de Shakespeare, em Frankfurt, “Swan Song”, de Chekhov, em Munique, adaptação de “Orlando”, em Woolf, em West Berlin, e “The Black Rider”, colaboração de Wilson, Tom Waits. e William S. Burroughs, em Hamburgo.

Wilson é conhecido por empurrar as fronteiras do teatro. Suas obras são notáveis ​​por seu estilo austero, movimento muito lento e, muitas vezes, escala extrema no espaço ou no tempo.

”A Vida e os Tempos de Joseph Stalin” foi um espetáculo de 12 horas, enquanto “KA MOUNTAIN e “GUARDENIA TERRACE” foram encenadas no topo de uma montanha no Irã e duraram sete dias.

Bob Wilson_Serena Ucelli 2Em 2010, Wilson estava trabalhando em um novo musical de palco com o compositor (e colaborador de longa data) Tom Waits e o dramaturgo irlandês Martin McDonagh. Sua produção teatral de “LECTURE ON NOTHING”, que foi encomendada para uma celebração do centenário de John Cage na Ruhrtriennale de 2012, estreou em Royce Hall pelo Centro para a Arte da Performance na UCLA em 2013.

Em 2013, Wilson, em colaboração com Mikhail Baryshnikov e co-estrelando Willem Dafoe, desenvolveu “The Old Woman”, uma adaptação do trabalho do escritor russo Daniil Kharms. A peça estreou no MIF13, Manchester International Festival. Wilson escreveu que ele e Baryshnikov discutiram a criação de uma peça juntos por anos, talvez com base em um texto russo. A produção final incluiu dança, luz, canto e monólogo bilíngue.

Robert Wilson_The Black Rider 2Desde 1999, Wilson estreou nove obras teatrais em Berlim; a partir de 2013, sua última comissão nos Estados Unidos foi há 21 anos. Ele continua a dirigir reavivamentos de suas produções mais célebres, incluindo “The Black Rider” em Londres, San Francisco, Sydney, Austrália e Los Angeles; “A tentação de Santo Antônio” em Nova York e Barcelona; “Erwartung” em Berlim; “Madama Butterfly” na Ópera Bolshoi em Moscou; e “Der Ring des Nibelungen” de Wagner no Théâtre du Châtelet em Paris. Ele também dirige todas as Monteverdi Operas para as casas de ópera de La Scala em Milão, e o Palais Garnier, em Paris.

Arte Visual e Design

Além de seu trabalho para o palco, Wilson cria desenhos de escultura, desenhos e móveis. Ele ganhou o Leão de Ouro na Bienal de Veneza de 1993 por uma instalação escultórica.

Exibido em dezembro de 1976 na Paula Cooper Gallery, os storyboards de Wilson foram descritos por um crítico como “arte serial”, equivalente ao andamento em câmera lenta do estilo teatral dele. “No desenho depois do desenho depois do desenho, um detalhe é proposto, analisado, refinado, redefinido, movido por várias posições. ”

Em 2004, Ali Hossaini ofereceu a Wilson uma residência no canal de televisão LAB HD. Desde então, Wilson, com a produtora Esther Gordon (e entre outros, Brad Pitt, Mikhail Baryshnikov, Robert Downey Jr., Winona Ryder, Juliette Binoche, Isabelle Huppert, Dita von Teese e Peter Sarsgaard) e mais tarde com Matthew Shattuck, produziu dezenas de vídeos de alta definição conhecidos como Voom Portraits.

Os colaboradores deste projeto bem recebido incluíram o compositor Michael Galasso, o falecido artista e designer Eugene Tsai, o estilista Kevin Santos e o designer de iluminação Urs Schönebaum. Além de celebridades, os assistentes incluem a realeza, os animais, os vencedores do Prêmio Nobel e os vagabundos.

A cantora pop americana Lady Gaga anunciou em 2013 que colaboraria com Wilson como parte de seu projeto ARTPOP.

Em seguida, ele projetou o cenário para seu desempenho no MTV Video Music Awards de 2013.

Bob Wilson_LAdyGaga_SerenaUcelli 2

 

 

Wilson também sugeriu que Gaga posasse para seus “Voom Portraits”.

 

 

 

Sabendo que ele tinha uma próxima residência como curador convidado no Louvre, Wilson escolheu temas da coleção do museu, todos lidando com a morte. Eles gravaram os vídeos em um estúdio em Londres durante três dias, Gaga permanecendo por 14 ou 15 horas de cada vez.

Chamada de “Living Rooms”, a exposição resultante incluiu dois trabalhos em vídeo: um inspirado em “The Death of Marat”, de Jacques-Louis David, pendurado nas galerias de pintura, e outro em que Lady Gaga dá vida a uma pintura de Ingres.

No auditório do Louvre, Wilson recebeu e participou de uma série de performances, conversas, exibições de filmes e discussões. A peça central da residência é uma sala cheia de objetos da coleção pessoal do artista em Nova York, incluindo máscaras africanas, uma cadeira Shaker, cerâmicas chinesas antigas, sapatos usados ​​por Marlene Dietrich e uma foto de Wilson e Glass tirada no início dos anos 80 por Robert Mapplethorpe.

Em 2011, Wilson projetou um parque de arte dedicado ao designer finlandês Tapio Wirkkala (1915-1985), situado no distrito de Arabianranta, em Helsinque.

Seus planos para o parque retangular apresentam um quadrado central dividido em nove campos de tamanhos iguais separados por arbustos. Cada campo será instalado com objetos relacionados à casa. Por exemplo, uma unidade consistirá de uma pequena lareira cercada por pedras que servem de assento. O parque será iluminado por grandes lâmpadas de estilo caixa de luz construídas no chão e por lâmpadas menores modeladas em lâmpadas de assoalho comuns.

ESTILO

Linguagem:

A linguagem é um dos elementos mais importantes do teatro e Robert Wilson se sente em casa com o comando de muitas maneiras diferentes.

O impacto de Wilson nesta parte do teatro é imenso. Arthur Holmberg, professor de teatro na Universidade de Brandeis, diz que “no teatro, ninguém dramatizou a crise da linguagem com tanto gênio feroz como Robert Wilson”. Wilson torna evidente em seu trabalho que o que é e por que da linguagem são terrivelmente importantes e não podem ser negligenciados. Tom Waits, aclamado compositor e colaborador de Wilson, disse isso sobre o relacionamento único de Wilson com as palavras:
“Palavras para Bob são como tachas no chão da cozinha no escuro da noite e você está descalço. Então, Bob abre um caminho que ele pode percorrer com palavras sem se machucar. Bob muda os valores e formas das palavras. Em certo sentido, eles adquirem mais significado; em alguns casos, menos”
Wilson mostra a importância da linguagem através de todos os seus trabalhos e de muitas formas variadas. Ele credita sua leitura do trabalho de Gertrude Stein e escuta gravações dela falando com “mudar [seu] modo de pensar para sempre”.

Wilson dirigiu três dos trabalhos de Stein nos anos 90: Doctor Faustus Lights the Lights (1992) , Four Saints in Three Acts (1996) e Saints and Singing (1998).
Wilson considera a linguagem e, até os seus próprios ingredientes, palavras, como uma espécie de “artefato social”.

A linguagem não apenas muda com o tempo, mas também muda com a pessoa, com a cultura. Usando sua experiência de trabalhar com crianças mentalmente deficientes e contando com a colaboração de Christopher Knowles, um renomado poeta autista, permitiu que Wilson atacasse a linguagem de muitas visões. Wilson abraça isso frequentemente “justapondo níveis de dicção – opulência Miltonic e linguagem contemporânea, poesia de berço e gritos pré-verbais” em uma tentativa de mostrar a sua audiência como a linguagem elusiva realmente é e como ela pode ser sempre mutante. Mostrar visualmente as palavras é outro método que Wilson usa para mostrar a beleza da linguagem. Muitas vezes, seus projetos, capas de programa e cartazes são grafitados com palavras. Isso permite que o público olhe para a “linguagem em si” em vez de “os objetos e significados aos quais ela se refere”.
A falta de linguagem torna-se essencial para o trabalho de Wilson também.

Da mesma forma que um artista usa espaço positivo e negativo, Wilson usa ruído e silêncio. Ao trabalhar em uma produção do Rei Lear, Wilson, inadvertidamente, descreve sua necessidade de silêncio:
“A forma como os atores são treinados aqui está errada. Tudo o que eles pensam é interpretar um texto. Eles se preocupam em falar palavras e não sabem nada sobre seus corpos. Você vê isso pela maneira como eles andam. Eles não entendem o peso de um gesto no espaço. Um bom ator pode comandar um público movendo um dedo.”
Essa ênfase no silêncio é totalmente explorada em algumas de suas obras. “Deafman Glance” é uma peça sem palavras, e sua adaptação da peça de quarteto de Heiner Müller continha um prólogo sem palavras de quinze minutos. Holmberg descreve esses trabalhos afirmando:
“A linguagem faz muitas coisas e as faz bem. Mas nós tendemos a fechar os olhos para o que a linguagem não faz bem. Apesar da arrogância das palavras – eles governam o teatro tradicional com mão de ferro – nem toda experiência pode ser traduzida em um código lingüístico ”.
O célebre dramaturgo do século XX Eugène Ionesco disse que Wilson “superou Beckett” porque “o silêncio de [Wilson] é um silêncio que fala”. Este silêncio no palco pode ser enervante para os membros do público, mas serve para mostrar o quão importante é a linguagem pela sua ausência. É o meio de Wilson responder a sua própria pergunta: “Por que ninguém parece? Por que ninguém sabe como procurar? Por que ninguém vê nada no palco? ”.
Outra técnica que Wilson usa é aquela que as palavras podem significar para um personagem em particular. Sua peça, “Eu estava sentado no meu pátio, esse cara apareceu, eu pensei que eu estava alucinando”, apresenta apenas dois personagens, ambos os quais entregam o mesmo monólogo de fluxo de consciência. Na primeira produção da peça, um personagem foi “alheio, frio, preciso”, enquanto o outro “trouxe comédia maluca … calor e cor … brincadeira”. As diferentes ênfases e entregas trazidas ao monólogo dão dois significados diferentes; “o público achou difícil acreditar que ouviram o mesmo monólogo duas vezes”.

Ao invés de dizer à sua audiência o significado das palavras, ele as abre para a interpretação, apresentando a idéia de que “significados não estão ligados a palavras – like horses to hitching posts “.

 

 Movimento
O movimento é outro elemento-chave no trabalho de Wilson.

Como dançarino, ele vê a importância da maneira como um ator se move no palco e conhece o peso que seu movimento tem. Ao falar de sua versão “Play without words” de “When We Dead Awaken”, de Ibsen, Wilson diz:
“Eu faço movimento antes de trabalhar no texto. Mais tarde, vamos colocar texto e movimento juntos. Eu faço movimento primeiro para me certificar de que ele é forte o suficiente para ficar em pé sozinho sem palavras. O movimento deve ter um ritmo e estrutura próprios. Não deve seguir o texto. Pode reforçar um texto sem ilustrá-lo. O que você ouve e o que vê são duas camadas diferentes. Quando você as coloca juntas, você cria outra textura”
Com tanta ênfase no movimento, Wilson até adapta suas audições em torno da necessidade disso. Em suas audições, “Wilson muitas vezes faz uma sequência de movimento elaborado” e “pede ao ator de repeti-la”.

Thomas Derrah, um ator de “CIVIL WARS”, descreveu o processo de audição para ser desconcertante: “Quando entrei, [Wilson] me pediu para atravessar a sala em uma contagem de 31, sentar em uma contagem de 7, coloquei minha mão na minha testa em uma contagem de 59. Fiquei perplexo com todo o processo “.

Para cimentar ainda mais a importância do movimento na obra de Wilson, Seth Goldstein, outro ator de “CIVIL WARS”, declarou que “todos os movimentos do momento em que entrei na plataforma até que eu saí foi coreografado segundo por segundo. Durante a cena eu fiz foi contar movimentos. Tudo o que eu pensava era o tempo “.
Quando chega a hora de adicionar o texto com o movimento, ainda há muito trabalho a ser feito. Wilson presta muita atenção ao texto e ainda garante que há “espaço suficiente ao redor de um texto” para que o público possa absorvê-lo.

Neste ponto, os atores conhecem seus movimentos e o tempo em que eles são executados, permitindo que Wilson coloque as ações em partes específicas do texto.

Seu objetivo geral é fazer com que o ritmo do texto seja diferente daquele do movimento, para que seu público possa vê-lo como duas peças completamente diferentes, vendo cada uma como o que é. Quando no estágio de texto / movimento, Wilson frequentemente interrompe o ensaio, dizendo coisas como “Algo está errado. Temos que verificar seus roteiros para ver se você coloca os números no lugar certo”. Ele prossegue para explicar a importância disso:
‘Eu sei que é um inferno separar texto e movimento e manter dois ritmos diferentes. Leva tempo para treinar-se para manter a língua e o corpo trabalhando uns contra os outros. Mas as coisas acontecem com o corpo que não tem nada a ver com o que dizemos. É mais interessante que a mente e o corpo estejam em dois lugares diferentes, ocupando diferentes zonas da realidade.”
Esses ritmos mantêm a mente em seus dedos, consciente e inconscientemente, absorvendo os significados por trás do movimento e como ele se encaixa com a linguagem.
Semelhante ao uso de Wilson da falta de linguagem em suas obras, ele também vê a importância que a falta de movimento pode ter.

Em sua produção de “Medea”, Wilson organizou uma cena em que a vocalista ficou parada durante toda a sua música, enquanto muitos outros se moviam em torno dela. Wilson lembra que “ela reclamou que, se eu não desse nenhum movimento, ninguém a notaria. Eu disse a ela que se ela soubesse como ficar de pé, todo mundo iria vê-la. Eu disse a ela para ficar de pé como uma estátua de mármore de uma deusa que esteve no mesmo lugar por mil anos “.

Permitir que um ator tenha tal presença de palco sem nunca dizer uma palavra é muito provocativo, que é precisamente o que Wilson pretende realizar com qualquer senso de movimento que ele coloca no palco.

 

Iluminação

Wilson acredita que “a parte mais importante do teatro” é a luz.

Ele está preocupado em como as imagens são definidas no palco, e isso está relacionado à luz de um objeto ou quadro. Ele acha que o projeto de iluminação pode realmente dar vida à produção. O cenógrafo para a “CIVIL WARS”, de Wilson, Tom Kamm, descreve sua filosofia: “um cenário para Wilson é uma tela para a luz bater como uma tinta”. Ele explica: “Se você sabe iluminar, você pode fazer merda parecer ouro. Eu pinto, eu construo, eu componho com luz A luz: é uma varinha mágica “.

Wilson é “o único grande diretor a receber faturamento como designer de iluminação” e é reconhecido por alguns como “o maior artista de luz do nosso tempo”.

Ele projeta fazendo fluir a luz em vez de um padrão de “off-and-on”, tornando a sua iluminação “como uma partitura musical”

Os projetos de iluminação de Wilson apresentam “texturas densas e palpáveis” e permitem que “pessoas e objetos saltem do fundo”.

No projeto de “Quartett”, Wilson usou quatrocentos sinais luminosos em um intervalo de apenas noventa minutos.

Ele é um perfeccionista, persistindo em alcançar todos os aspectos de sua visão. Um monólogo de quinze minutos em “Quartett” levou dois dias para ele iluminar enquanto um único gesto com a mão levou quase três horas.

Essa atenção aos detalhes expressa sua convicção de que “a luz é o ator mais importante no palco”.

 

Objetos de cena

O interesse de Wilson pelo design se estende aos adereços em suas produções, que ele projeta e às vezes participa da construção.

Quer se trate de mobiliário, uma lâmpada ou um crocodilo gigante, Wilson trata cada um como uma obra de arte por direito próprio. Ele exige que um modelo em escala real de cada adereço seja construído antes de ser feito o objeto final, a fim de “verificar a proporção, equilíbrio e relações visuais” no palco. Uma vez que ele tenha aprovado o modelo, a equipe constrói oo adereço, e Wilson é “conhecido por enviá-los de volta e de novo e de novo até que eles satisfazem”.

Ele é tão rigoroso em sua atenção ao detalhe que, quando Jeff Muscovin, seu diretor de tecnologia para “Quartett, sugeriu eles utilizarem uma cadeira de alumínio folhada de madeira ao invés de uma cadeira completamente de madeira, Wilson respondeu:

“Não, Jeff, quero cadeiras de madeira. Se as fizermos de alumínio, elas não soarão bem quando caírem e baterem no chão. Elas soarão como metal, não como madeira. Isso soará falso. Apenas certifique-se de obter madeira forte. E sem nós.”

Essa atenção aos detalhes e perfeccionismo geralmente resultaram em uma coleção cara de adereços. “Os curadores os consideram esculturas”, e os acessórios foram vendidos por preços que variam de “US $ 4.500 a US $ 80.000”.

 

Exposições

Extensas retrospectivas foram apresentadas no Centro Georges Pompidou em Paris (1991) e no Museu de Belas Artes de Boston (1991). Ele apresentou instalações no Stedelijk Museum em Amesterdão, Museu Boymans-van Beuningen, Roterdão (1993), c de Londres (1995), Neue Nationalgalerie (2003), e do Museu Solomon R. Guggenheim, em Nova York eo Museu Guggenheim Bilbao. Sua homenagem a Isamu Noguchi foi exibida no Seattle Art Museum e sua exposição Voom Portraits viajou para Hamburgo, Milão, Miami e Filadélfia. Em 2012, a Times Square Arts convidou Wilson para mostrar seleções de seus vídeos de três minutos em mais de vinte telas digitais que se alinhavam na Times Square. Em 2013, ele participou da Bienal da Casa Branca / Thessaloniki Biennale 4.

A Wilson é representada exclusivamente e mundialmente pela RW Work, Ltd. (Nova York), e sua galerista em Nova York é a Paula Cooper Gallery.

 

The Watermill Center

Em 1991, Wilson fundou o ‘The Watermill Center’ no local de um antigo laboratório da Western Union no East End de Long Island, Nova York. Originalmente denominado como “um laboratório para desempenho”, o The Watermill Center agora opera residências artísticas durante todo o ano, programas de educação pública, exibições e apresentações. O Centro está situado dentro de um campus de 10 acres de jardins e paisagens projetadas, e contém inúmeras obras de arte coletadas por Wilson.

Legacy and awards

FONTE:

https://en.wikipedia.org/wiki/Robert_Wilson_(director